top of page

Varvara STERN: “I can say with absolute certainty that Rubens would have pressed the AI button non-stop. All of them — Dürer, and Leonardo, too”

When it comes to the value of art, the question of what an artist puts into his or her work has been raised throughout the ages. There are many facets to this debate. Historically, technology has developed faster than people can legislate and/or ethically decide what it can do and how we should all deal with it. When photography appeared in the first half of the 19th century, it had a bombshell effect. Some embraced photography and used it as an aid to art, while others criticized the invention and refused to consider it useful for artists, such as Gustave Courbet. Regardless of the different perceptions of photography, this invention revolutionized European society in the 19th century.

Today, the revolution is being led by AI. Some believe that AI will expand the possibilities and limits not only of innovation, but also of creativity. Others are categorically opposed to the use of AI and dislike anything to do with it.  Artist Varya Stern is one of the former. 

*Artificial intelligence is a form of computer science that involves the development of machines that mimic human intelligence.

Varvara Stern was born on November 6th, 1986 in Moscow, Russia. She completed the “Painting” course at the Moscow State Academic Memory of 1905 Art School (2009), followed by the “Illustration” course at the British Higher School of Art & Design in Moscow (2013). Since then, she has been deeply engaged in studying Old Master techniques, continuously advancing both theoretically and practically.

Works with blockchain technologies to create NFT projects in a decentralized crypto art market. Participates in collective exhibitions in Russia and the UK.

Describe your practice in three theses. 

Copying the masters, working with colour and composition and working with glazes.

You have a great basic art education. Tell us about how your choice of materials and techniques evolved.

When I applied to art school, I couldn’t really differentiate between the art on Arbat street and Matisse’s work. It was only through art history classes and continuous self-education that I started grasping the distinctions. I distinctly recall a pivotal moment during my third year, visiting the Pushkin Museum with friends. Standing before a Cezanne painting, a simple scene of a road, river, and trees, something profound happened. I felt transported into the painting; I could hear the rustling leaves, the wind, the faint sound of rolling wheels. It was cathartic. In that moment, I realized my aspiration: to capture that essence of energy in my own art. That memory remains vivid in my mind.


I am passionate about things that have nothing to do with art, such as maths, physics, experiments, medical examinations for portraits. I am very curious about life, about information, about learning. I love everything related to astronomy, space, oceanography and animal research. All this has enriched my art.

You use the 16th century Flemish seven-layer technique. What do you see as the key aspects and challenges of combining this technique with the 21st century tools and materials you use? Tell us about these tools.

The name is fancy, but in fact it is a three-layer painting that helps you to be more responsible in your painting. You think it all through and carefully plan beforehand, allowing for greater freedom to improvise in the later stages. The modern tools just make life easier. Not only can I stick something on in Photoshop, but I can do all the preparatory work through collage, through artificial intelligence (which completes my already finished sketch). 

What is the technique basically? It means that you cant give an inch here, you give an inch there in the original work. You can’t change anything. You have to decide everything beforehand. You have to decide the whole picture at once. Unless you are Leonardo da Vinci, who can give a painting 10 years, or even 15.

In other words, in general, you can’t fix anything on the original, because if you start to fix it, it’ll be messy, it’ll be ruined, and it’ll be obvious that you’ve redone the piece.  You would have to start all over again.  I plan all my paintings at the sketch stage. I mean, a sketch is a finished work for me. The most I can do at the end is change the colour tone slightly. Because technique is such a thing, it’s like building a house. If you don’t build the foundations, if you don’t profile some parts, then your art, like Vrubel’s, will wither away in 70 years.


Why was the 16th century (or, the 15th-16th) so colourful? Look at Van Eyck, Bruegel, Bosch, Raphael, Botticelli. Just wipe off a century’s worth of varnish and they are just as bright. Because a thin layer is like plaster, and if you wipe off a thick layer of plaster, it’s all going to fall apart. We see this in, well, almost everything in the 20th century. Paint, for example, oxidises very badly. The only thing that can save you is varnish, but even that turns yellow.


Back to the house metaphor. With thin layers you build the foundation.  You’re building it up. If you have a bad first step, you can’t fix it with the top layers. So the whole process is enormously time-consuming. Why this technique is so awesome is because it gives life to the canvas. You actually live through each millimetre of the canvas. And you get this vibration of colour and light and life.

How long have you been painting in the Old Master style and what is so special about this technique? From whom did you learn this unique technique?

When I studied with Melamed at the British School of Design, we tried all the techniques, we had 40 master classes from screen printing to collage, - all, all, all. And I realised that the ones I love more than anything in the world are canvas and oil. I love oil because only the layering technique gives me the effect I need to make the painting glow. I learnt this technique from Nikita Nikolaevich Krapivin in my first year at the School.  

Later I bought a book called “Old Masters’ Technique”. Much of it was just copying some fragments, for instance Van Eyck. I also discovered some unfinished works by old masters. This helped me a lot. And I realized that I really like it. I got semi-technique, I got full-technique, and I like to combine them.

What are the steps in the process of your work? idea, brainstorming, sketching, collecting data, editing, Photoshop, analysis, AI, working with canvas, etc?  

Which stage of your work takes the longest?

My process is very similar to how an AI image is generated, especially when it stalls.  I do about the same thing.


Usually it all starts with colour.  For example, I start with lettuce-pink or blue-salad-pink, and then things take shape, and then I move on to composition. The most important thing for me is the composition, whether I’m doing a portrait, a landscape or a still life. The main thing for me is how it all interacts on the canvas.


I can feel the imbalance very clearly. The most difficult thing for me, the most painful thing, is to come up with a composition, because with the technique (painting) you can put anything on the canvas. It’s a kind of mathematical approach where you calculate and then you paint.

Why do you work with AI?

I think artificial intelligence quenches curiosity. That means you can reject a huge number of ideas in a short period of time. You can do in a week what used to take six months to a year. You can quickly decide whether  you want to go the chosen direction or not, for example, you realize you’ve tried it and you’re not interested. And you just move on. It really made the work easier, it gave me more time to experiment. 

Often I would draw on the iPad, and then I would overlay my own work in the AI, then I would finish drawing, then I would overlay again, and so on to infinity, until I came out in a completely different direction, or I realised that the first sketch was the best and I should stop there. For me it’s like the wish room in Stalker. It gives you what you are. What you really want.

There are works in your portfolio where errors are visible, for example six fingers of a canonical AI error. Can we say that you are attracted to the aesthetics of system glitches, intentional errors and failures? 

I like it a lot. I’ve noticed that it needs more amplification. I’m very interested in various glitches in the system. I have almost 50 000 images from when midjourney and artificial intelligence in general was just starting to work. The way it glitches, the way it bends its fingers is very cool. Or pixelated pupils. You can’t even think about doing that on purpose, it’s really cool!


I’ve already collected a huge library of different glitches. I screenshot everything I see: glitches of photos, kind of memes that happened by accident. I love it all so much. I think humour is a sign of intelligence in general. I like humour, banter, making fun of myself and the viewer, and I am going to keep pushing all this in my projects on purpose. I will use artificial intelligence, imitating artificial intelligence, because I like it very much. 

Chagall actually painted 10 fingers on a hand. The 17th century guys painted 7-8 fingers. I mean, many artists got carried away and drew 6 fingers, just getting into drawing phalanges, studying anatomy. And what about those elongated necks that were drawn on camera obscura? Curiosity is the main driver of progress, I think. I really like the glitches and something that you don’t notice at first, but when you look at it for the hundredth time, you do.

How did you come to not avoid it, but to make it your style?

I have a series with the Gauguins, for example. When I come to the Pushkin Museum, I always approach Gauguin or Matisse. I greet them, I bow, and say, “ Hi guys, you’re the best, hang in there, I stand with you”.

I see copying as the engine of progress.  In the last two years I have progressed a lot in terms of form and plasticity thanks to copying. I combined my own sketches, drawn by me, based on Gauguin, and something new came out, sometimes with a fan of fingers. And it made me so terribly happy because it was some sort of a game, playing. First you do a huge amount of work on your own, and then you get to see it all flow into a new form. Seeing how the AI finds new moves, how it suggests different solutions that you are not used to.

Most importantly, I believe that in life and in art there should be humour and subtle banter with the audience.  AI and chatGPT are nothing more than assistants for me. Also, I can say with absolute certainty that Rubens would have pressed the AI button nonstop. All of them, – Dürer and Leonardo, too. Because they had the most important quality of an artist – zest for life and curiosity.

Is AI truly a novel tool, or have we become accustomed to the daily routine of browsing Google, gathering ideas, and borrowing images long ago? Perhaps AI isn’t entirely new to us but rather an expedited evolution of previous applications?

Can we call AI a new tool or did we long ago get used to daily scrolling to google and collecting and “stealing” other people’s ideas and borrowing other people’s images?  So AI is not new to us, but just an accelerated version of past applications?


No, it is not new, it is simply faster. For me, it has just sped up what I was doing before. I’ve been using Photoshop to overlay one artist on top of another artist AND I’ve been painting on top of that. It’s nothing new to me. I know how to connect what is not connectable, how to get a base faster, which I then finish anyway myself, that is nothing new. It just accelerated the processes that I was already going through.

Some would say it’s stealing. They say I’m parasitising on Gauguin, but I think it all depends on the individual. Sit, copy, think. We all pollinate each other. Van Gogh wouldn’t be Van Gogh if he wasn’t pollinated by Japanese prints. If they didn’t all pollinate from each other and repeat themselves, there would be nothing.


You can’t find your own way until you’ve tried everything, copied everything. For me, the most powerful growth is in copying and understanding how another artist thought, to see what you can take and what you can’t.  If a person has a narrow outlook, if they are not ready for some kind of experimentation, if it is normal for them to paint for 10 years and degrade in their own style, artificial intelligence will not help them.


Roughly speaking, you’re only going to be looking for what you already are. You generate what you’re interested in. If you’re interested in light, or there’s some other findings, you’re going to generate that.  But that’s not even the point. The point is that you can generate brilliant stuff, but you don’t have enough sense to realize that it’s brilliant, that it’s a gem and a finding. It takes an oversight, an educational background, and knowledge of art history. AI just gives you a kick or a starting point sometimes. AI is a manifestation of you.


The big problem is that the whole world community really doesn’t know yet how to regulate AI. And how to fit it into ordinary life. And it all depends on the artist themselves.

Can we argue that AI replaces humans and the work produced using it no longer belongs to the author, but to the collective intelligence?

Well it’s like any artist’s work. You can take anything you want, from anywhere you want, but it will still be obvious where it started.


A human could take my Richard as a basis, but they’d do it their own way. But if someone simply takes it and copies it, it’ll be boring. And if they just take it as a basis, yeah cool, really, please go ahead and do it. It will still be different, because my life experience and soul will not be there. All artists are different, even those who have worked in the same technique. You’ll always be able to tell the difference between a Bruegel and a Beato Angelico.

Now the process of adjusting AI has just begun. I think that in order to use artificial intelligence, you need to use your own intelligence, vision, and an idea to begin with. And then it will be interesting to work together with AI.

For an artist who is just thinking about starting to use AI in their practice, what are the things to consider? 

My advice is to start with art history, observation, copying the masters.  Only then, after that, you can start using artificial intelligence. On the one hand, the AI will step further, but on the other hand, the wave of hype will fade and what makes sense will remain. No one cancels your work, you have to work hard and copy, copy what was created before you, and you need to understand the things that were before you very well.

How do you see the future of art? 

I can say with certainty that art that is created by hands will still be created by hands and it is not going to change. And it will only cost much more.

Questions: Anna Znaenok and Lisa Shtormit Romme.

Edited and translated by Anna Znaenok.


ВАРВАРА ШТЕРН: «Я абсолютно четко могу сказать, что Рубенс жал бы на эту кнопку nonstop. И все, и Дюрер, и Леонардо».

Когда речь заходит о ценности искусства, во все века встает вопрос о том, что вкладывает художник в свою работу. Эта дискуссия содержит в себе несколько аспектов. Технологии исторически развиваются быстрее, чем люди могут законодательно и/ или этически принимать решения о том, что она может делать и как с этим всем нам быть. Когда появилась фотография в первой половине XIX века, это вызвало эффект бомбы. Одни приветствовали фотографию и использовали ее в качестве вспомогательного средства для создания художественных произведений, другие критиковали это изобретение и отказывались считать его полезным для художников, как, например, Гюстав Курбе. Независимо от разного восприятия фотографии, это изобретение произвело революцию в европейском обществе XIX века.

Сегодня революцию вершит ИИ. Кто-то считает, что ИИ расширяет возможности и границы не только инноваций, но и творчества. Кто-то — категорически против использования ИИ и испытывает неприязнь ко всему, что с этим связано.  Художник Варя Штерн - относится к первым. 

*Искусственный интеллект — это одна из форм компьютерной науки, которая включает в себя разработку машин, имитирующих человеческий интеллект.

Варвара Штерн родилась 6 ноября 1986 года в Москве. Базовое художественное образование получила в Училище памяти 1905 года в Москве по курсу «Живопись» (2009), окончила курс «Иллюстрация» в БВШД в Москве (2013). С 2009 года изучает техники старых мастеров, продолжая теоретические и практические занятия.

Работает с технологиями блокчейн для создания NFT-проектов в условиях децентрализованного крипто-арт-рынка. Участник коллективных выставок в России и Великобритании.

Опиши свою практику в трех тезисах.

Копирование мастеров, работа с цветом и композицией и работа лессировками.

У тебя прекрасное фундаментальное художественное образование. Расскажи о том, как эволюционировал твой выбор материалов и техник.

Когда я поступала, я не понимала чем искусство на Арбате отличается от Матисса.  Только благодаря истории искусств уже в училище и бесконечному самообразованию я стала это понимать. Я очень хорошо помню как я пошла на третьем курсе училища с подружками в Пушкинский музей. И у картины Сезанна у меня случилось осознание. Я смотрела какой-то этюд простой: дорога, река, деревья. И услышала шелест деревьев, звук ветра, колёс. Ну, то есть абсолютно погрузилась в эту картину.

Катарсис. Я не знаю, что это было, но я услышала и почувствовала воздух из картины, и тогда поняла, что я хочу уметь так же передавать вот этот сгусток энергии в своих работах. Вот это воспоминание у меня живо очень.


Я увлекаюсь вещами, которые к искусству не имеет отношения: математика, физика, опыты, медэкспертиза для портретов. У меня большое любопытство до жизни, до информации, до знаний. Я люблю всё, что связано с астрономией, с космосом, с исследованием океана  и животных. Это все в итоге очень обогатило мое искусство. 

Ты используешь семислойную технику фламандских мастеров 16 века. Расскажи, в чем ты видишь ключевые аспекты и сложности совмещения этой техники с теми инструментами и материалами 21 века которые ты используешь? Расскажи об этих инструментах. 

Название красивое, но по сути это трехслойная живопись, которая помогает ответственнее подходить к живописи. Ты все продумываешь и решаешь на берегу, оставляя себе возможность импровизации на финальных этапах. 

И новые инструменты просто облегчают жизнь. Мало того что в Фотошопе можно что-то приклеить, я могу через коллажирование, через искусственный интеллект (который мне докрутит мой уже готовый эскиз) сделать всю подготовительную работу. 

В чём заключается техника по большому счёту? В том, что ты в оригинале работы уже не можешь сделать шаг влево-шаг вправо. Ты не можешь ничего изменить. Ты всё должен решить на берегу. Вся картина у тебя должна быть решена сразу. Только, конечно, если ты не Леонардо да Винчи, который может 10 лет отдать картине, а лучше 15. 

То есть глобально  ты не можешь исправить ничего на оригинале, потому что если начнешь исправлять, получится грязь, порушится все, и будет видно, что ты этот кусок переделал.  Только начать заново.  Я решаю все картины на уровне эскиза. То есть эскиз у меня – уже законченная работа. Я максимум могу чуть-чуть оттенок поменять уже в конце. Потому что техника – это такая вещь, она похожа на строительство дома. Если ты ты не сделаешь фундамент, если ты профилонишь какие-то куски, то у тебя как у Врубеля всё пожухнет через 70 лет.


Почему XVI век  (15-16) он как был, так и остался ярким? Ван Эйк, Брейгель, Босх, Рафаэль, Ботичелли. Просто протер вековой лак — и они так же светятся. Потому что тонкий слой — это как штукатурка, и если ты махнешь толстый  слой штукатурки, то у тебя всё развалится. Мы это видим, ну, практически во всём в XX веке. Краски, во-первых, окисляются очень сильно. Спасти может только лак,  но и он желтеет.


Возвращаясь к «дому». За счёт тонких слоёв ты выстраиваешь фундамент.  Настраиваешь. Если у тебя плохой первый этап, то ты не сможешь его исправить на верхних слоях. Поэтому весь процесс колоссально времязатратный. Почему эта техника такая крутая –  потому что что она даёт эту жизнь холсту. Ты проживаешь каждый миллиметр холста. И получается эта самая вибрация цвета, света и  жизни.

Как долго ты занимаешься живописью в стиле старых мастеров и в чем особенность этой техники? У кого ты училась этой уникальной технике?

Когда я училась у Меламеда в британке мы перепробовали все техники, 40 мастер-классов – от шелкографии до коллажа, вообще всё-всё-всё. И я поняла, что больше всего на свете я люблю холст и масло. Я люблю масло, потому что только многослойная техника дает мне тот эффект, который я хочу, чтобы картина светилась. Этой технике я училась с первого курса училища у Крапивина Никиты Николаевича.  

Потом я купила книжку «Техника старых мастеров». Очень много просто копировала какие-то фрагменты, Ван Эйка, например. Плюс я находила незаконченные работы старых мастеров. Это мне тоже очень сильно помогло. И я поняла, что мне это очень нравится. У меня есть полутехника, полная техника, мне нравится все сочетать.

Из каких этапов состоит процесс твоей работы: идея, брейнсторм, эскизы, сбор дата, процессирование, фотошоп, анализ, ИИ, работа с холстом?  

Какой из этапов работ занимает самое продолжительное время?

Мой процесс очень похож на то, как генерится картинка. Особенно, когда она подвисает, когда появляется куча пикселей непонятных, потом  какой-то цвет проявляется, и только потом появляется вся картинка целиком.  У меня примерно то же самое. 


Обычно все начинается с цвета.  Например, вначале чувствую салатовый-розовый или там голубой-салатовый-розовый, потом у меня вот и всё формируется, и потом я начинаю заниматься композицией. Для меня самое важное это композиция, чтобы я не делала – портрет ли я пишу, пейзаж ли, или натюрморт. Для меня главное, как всё это взаимодействуют между собой на холсте, на листе.


Я очень чётко чувствую, когда идёт какой-то дисбаланс. Для меня самое тяжёлое, самое мучительное – это придумать композицию, потому что при помощи техники (живописи) можно на холст  перенести вообще всё, что угодно. Это математический подход — сначала рассчитываешь, потом пишешь.

Почему ты работаешь с ИИ?

Я считаю, что искусственный интеллект утоляет  любопытство. То есть ты можешь за короткое количество времени отбраковать огромное количество идей. На что раньше уходило  полгода-год, теперь делаешь за неделю. Быстро понимаешь что ты, например, туда идти уже не  хочешь, понял, что ты это попробовал, и тебе неинтересно. И пошёл дальше. Это реально облегчило работу, предоставило больше времени на опыты. 

Часто я рисую на айпаде, а потом скрещиваю свои же работы в ИИ, опять дорисовываю, опять скрещиваю и так до бесконечности, пока не выйду совсем в другую сторону или не пойму, что первый эскиз был самым лучшим и на нем надо остановиться.

Для меня это как комната желаний в «Сталкере». Он выдаст тебе то, что ты есть. Что реально хочешь. Именно поэтому всё генерят, но у каждого выходит только то, чем они являются. И более того, скажу такую вещь, что эффект наблюдателя никто не отменял. 

В твоем портфолио есть работы где видны ошибки, например, шесть пальцев по канонической ошибке ИИ. Можно ли  утверждать, что тебя привлекает эстетика глюка системы, нарочитой ошибки и сбоя? 

Мне это очень нравится. Я поняла, что это надо ещё усиливать. Мне очень интересны глюки системы. У меня  собрано почти 50.000 изображений, когда тот же midjourney и вообще искусственный интеллект только начинал работать. То, как его глючило, как он пальцы, например, выгибал, — это очень круто. Или зрачки пикселил. Такое даже нарочно не придумаешь, это действительно круто! 


У меня собрана уже огромная библиотека разных глюков. Я скриню всё, что  только увижу: глюки фотографий, каких-то мемов, которые таким образом случайно получилось. Мне это ужасно всё нравится. Я считаю, что юмор, это вообще – признак интеллекта. Мне очень нравится Юмор, стёб над собой, над зрителем, и я специально буду продолжать всё это в своих проектах продвигать. Буду использовать  искусственный интеллект, имитировать искусственный интеллект, потому что мне это очень нравится. 

У Шагала вообще было 10 пальцев на руке. Те же ребята из 17 века 7-8 пальцев рисовали. Любой художник увлекался и рисовал по 6 пальцев на руке, просто увлекаясь вырисовыванием фаланг, изучая анатомию. А эти вытянутые шеи, которые обводили по camera obscura? Там тоже параметры плыли, вся анатомия нарушена.  Любопытство - главный двигатель прогресса.

Расскажи как ты пришла к тому чтобы не избегать этого, а сделать это своей фишкой?

Например, у меня есть серия с «Гогенами». Когда я прихожу в Пушкинский музей, всегда подхожу к Гогену, к Матиссу. Здороваюсь, кланяюсь,  говорю, мол, ребята, вы лучшие, держитесь, я с вами.

Копирование вообще для меня двигатель прогресса.  За последние 2 года благодаря копированию, мне удалось сильно продвинуться в форме и пластике. 

Так вот, потом я скрещивала свои же эскизы, нарисованные мной, основываясь на Гогене) и там выходили новые вещи, иногда с веером из пальцев. И меня это ужасно радовало, потому что получалась такая игра. Сначала ты проделываешь сам огромную работу, а потом смотришь как это все перетекает в новую форму. Как ИИ находит новые ходы, как предлагает другие, непривычные для тебя самого, решения.

Самое главное, я считаю, что в жизни и в искусстве должна быть должен быть юмор и тонкий стеб над зрителем.  ИИ и chatGPT для меня – не более чем помощники. Более того, я абсолютно чётко могу сказать, что Рубенс жал бы на эту кнопку nonstop. И все, и Дюрер, и Леонардо. Потому что их отличало самое главное качество художника – жажда жизни и любопытство.

Можно ли назвать ИИ новым инструментом или мы давно привыкли к ежедневному скроллингу в Google и сбору,  «воровства» чужих идей и заимствования чужих изображений?  То есть ИИ для нас не новое, а просто ускоренная версия прошлых приложений?

Нет, он не является новым, он просто быстрее. Для  меня он просто убыстрил то, чем я и так и до него занималась. Я в Фотошопе накладывала одного художника на другого И дорисовывала сверху. У меня ничего нового не случилось. Я знаю, как соединить то, что не соединябельно, как быстрее получить основу, которую я потом доделаю всё равно сама — то есть ничего нового. Он просто ускорил те процессы, которые я итак проходила.

Кто-то скажет, что это воровство. Мне сказали, что я паразитирую на Гогене, Но я считаю, что всё зависит от самого человека. Посиди, покопируй, подумай. Мы все друг у друга опыляемся. Ван Гог не был бы  Ван Гогом, если он бы он не опылялся японскими гравюрами. Если бы они все друг у друга не опылялись и не повторялись, ничего бы не было.


Ты не можешь найти свой собственный путь, пока всё не перепробовал, не перекопировал. Для меня самый мощный рост – в копировании и в понимании того, как мыслил другой художник, чтобы понять, что тебе взять, а что нет.  Если у человека узкий кругозор, если человек не готов к каким-то экспериментам, если для него нормально 10 лет рисовать и деградировать в своем собственном стиле, то ему искусственный интеллект не поможет.


Грубо говоря, ты будешь искать то, чем ты являешься. Ты генеришь то, что тебе интересно. Если тебе интересен свет, или там какие-то находки ещё,  то будешь это генерить.  Но главное даже не это. Главное то, что ты можешь генерить гениальные вещи, но тебе не хватит мозгов, чтобы понять, что это гениально, что это жемчужина и находка. Для этого нужна насмотренность, образование, знание истории искусств. ИИ даёт тебе просто иногда пинок или отправную точку. ИИ – это проявление тебя.


Большая проблема в том, что всё мировое сообщество реально не знает пока, как урегулировать искусственный интеллект. И как его вписать в обычную жизнь. И все зависит от самого художника. 

Можно ли сказать, что ИИ заменяет человека и произведение с его использованием больше не принадлежит автору, а принадлежит коллективному разуму?

Ну это как в любой работе художника. Ты можешь что угодно брать, где угодно брать, но всё равно будет видно, что было в начале.


Вот человек  может взять моего Ричарда за основу, но он всё сделает по-своему. Но если человек просто возьмёт и скопирует, то это будет скучно. А если он возьмёт это за основу, да классно, реально, пожалуйста, делай. Это все равно будет другим, потому что там не будет моих жизненного опыта и души. Все художники разные, даже те, кто работал в одной технике. Ты всегда сможешь отличить Брейгеля от Беато Анджелико.

Сейчас начался процесс регулировки ИИ. Я считаю так: чтобы использовать искусственный интеллект нужен для начала просто интеллект, насмотренность, идея. И тогда будет интересная работа вместе с ИИ.

На что обратить внимание художнику, который только задумывается над тем, чтобы начать использовать ИИ в своих практиках? 

Я советую в начале начать просто с истории искусств, насмотренности, копирования мастеров.  А потом уже использовать искусственный интеллект. С одной стороны, он еще шагнет в какую-то даль, а с другой – волна хайпа схлынет и останется то, что имеет смысл. Твою же работу никто не отменяет, много работать надо и копировать, копировать то, что было до тебя, разбираться в том, что было до тебя.

Каким ты видишь будущее искусства?

Я абсолютно точно могу сказать, что искусство что создается руками, будет создаваться всё равно руками. Оно никуда не денется. Ну и будет стоить только дороже.

Вопросы: Анна Знаенок и Лиза Штормит Роммэ.

Под редакцией и с переводом Анны Знаенок.

Недавние посты

Смотреть все


bottom of page