Artists’ workshops and studios come in many forms: from vast, grand halls to modest, budget-friendly rooms, from bright Mediterranean lounges to high-tech spaces. The choice depends on the artist’s needs and financial resources.
Looking back through history, we can identify two types of workshops that existed in France before the 13th century: permanent workshops, known as scriptoria, and mobile fresco workshops. Scriptoria were akin to monastic cells located in the galleries of cloisters, where monks worked either alone or in groups. The mobile fresco workshops, often associated with monasteries, traveled from place to place to carry out various fresco paintings. With the secularization of the art of illumination, scriptoria ceased to exist, giving way to workshops organized according to guild rules. These workshops had a strict hierarchy: the most skilled masters created compositions with figures, others colored them, and still others, often women, specialized in painting backgrounds, while assistants were responsible for preparing the paints.
By the 15th century, in the major Italian cities, workshops known as ‘botteghe’ functioned as fully-fledged enterprises, enabling the master to fulfill numerous orders. In these workshops, the master and his apprentices produced paintings, sculptures, and other decorative arts, often enlisting the help of carpenters, gilders, and carvers. In France during the same period, artists’ workplaces were varied: some worked from home, while others were employed by kings or lords, becoming their servants or chamberlains.
Later, in Northern Europe, artists began to focus more on still lifes and self-portraits, though commissioned portraits remained their primary source of income. The Flemish master Jan van Eyck made significant advancements in oil painting techniques, allowing for the depiction of everyday objects with a high degree of realism and allegorical meaning through a slow and complex process of blending, layering, and drying paints.
The artist's studio evolved into a reflective space, combining a workspace with a study, where the act of contemplation became part of the painting process. This is particularly evident in the famous series of over 50 self-portraits by Rembrandt, created throughout his life, although the term ‘self-portrait’ only entered the artistic lexicon a century later.
Despite changes in artistic views and preferences, the basic structure of the artist’s workshop remained largely unchanged from the Middle Ages until the 1800s. The atelier typically consisted of a master and a group of dedicated apprentices who progressed from assistants to masters before eventually opening their own studios. The only real competitor to the atelier model was the system established by the French Academy, which was formalized with the founding of the École des Beaux-Arts in Paris in 1816. The Academy organized its own exhibitions, known as salons, to support, critique, and analyze artistic achievements. These academic salons became the leading events in European art of the time and laid the foundation against which avant-garde artists like Édouard Manet rebelled in the early 1900s.
In the 19th century, the rise of industrial production had a significant impact on artists. Previously, they had to painstakingly create their own paints by mixing ingredients — a process evidenced by the mixing bowls seen in Rembrandt’s studio self-portraits. But with the advent of industrialization, paints became readily available in aluminum tubes, which could be purchased in stores. This ensured consistent quality and quantity of ingredients across the continent. For the first time, artists had access to paint in tubes as well as lightweight portable easels. Industrial production also allowed for the rapid and efficient manufacturing of materials like brushes and easels, with improved designs.
This environment gave birth to a new method of painting, known as en plein air.
In the 1960s in New York, Andy Warhol revolutionized the concept of the artist’s studio by merging artistic production with mechanized equipment inspired by Henry Ford in his studio-hangout, known as ‘The Factory.’ Warhol became the king of silkscreen printing — a method that allowed for rapid and repeatable image production. What set his studio apart was not only the art created there but also the notorious amphetamine-fueled parties and the eclectic mix of personalities it attracted. This marked the emergence of the artist as a brand — an idea that Warhol cleverly exploited in his meta-critical analysis of contemporary American popular culture.
Text by Anya Znaenok
Эволюция мастерских художников
Мастерские и студии художников бывают разные: от огромных и торжественных залов до дешевых коморок, от светлых средиземноморских лаунжей до хай-тек залов. Все зависит от потребностей и финансов художника.
Если оглянуться назад в историю, так сказать, к корням, то мы можем обратить внимание на два типа мастерских, которые существовали до XIII века во Франции: постоянные мастерские, известные как скриптории, и передвижные мастерские фрескистов. Скриптории представляли собой подобие келий, расположенных в галереях клуатров, где монахи трудились либо самостоятельно, либо в группах. Передвижные мастерские фрескистов, связанные с монастырями, перемещались с места на место для выполнения различных росписей. Скриптории прекратили свое существование с началом секуляризации искусства миниатюры, а их место заняли мастерские, организованные по корпоративным правилам. В таких мастерских существовала четкая иерархия: наиболее искусные мастера создавали композиции с фигурами, другие их раскрашивали, третьи, часто женщины, специализировались на изображении фонов, а помощники занимались приготовлением красок.
В XV веке в крупных итальянских городах мастерские, называемые “botteghe”, функционировали как полноценные предприятия, позволявщие мастеру выполнять многочисленные заказы. В этих мастерских мастер и его подмастерья создавали картины, скульптуры и другие виды украшений, привлекая при этом столяров, позолотчиков и резчиков. Во Франции того времени рабочие места художников были разнообразными: одни трудились у себя дома, другие нанимались королями или сеньорами, становясь их слугами или камердинерами.
Позднее, в северной Европе, художники стали уделять больше внимания натюрмортам и автопортретам, хотя заказные портреты все еще оставались основным источником их дохода. Фламандский мастер Ян ван Эйк внес значительные изменения в технику масляной живописи, что позволило изображать повседневные предметы с высокой степенью реализма и аллегорическим смыслом, используя медленный и сложный процесс смешивания, наслоения и высыхания красок.
Студия художника превратилась в рефлексивное пространство, совмещающее рабочую комнату и кабинет, где акт созерцания стал частью процесса создания картины. Это особенно заметно на примере знаменитой серии из более чем 50 автопортретов Рембрандта, созданных им на протяжении всей жизни, хотя термин “автопортрет” вошел в художественный лексикон только столетие спустя.
Несмотря на изменения в художественных взглядах и предпочтениях, основной формат мастерской художника оставался практически неизменным со Средних веков до 1800-х годов. Ателье состояло из одного мастера и группы преданных учеников, которые проходили путь от подмастерья до мастера и затем открывали собственные мастерские. Единственным конкурентом модели ателье стала система Французской академии, основанной с учреждением Национальной высшей школы изящных искусств в Париже в 1816 году. Академия организовывала собственные выставки, известные как салоны, для поддержки, критики и анализа художественных достижений. Академические салоны стали главными событиями в европейском искусстве того времени и сформировали основу, против которой в начале 1900-х годов выступили художники-авангардисты, такие как Эдуард Мане.
В XIX веке зарождение промышленного производства оказало значительное влияние на художников. Если раньше им приходилось самостоятельно изготавливать краски, тщательно смешивая ингредиенты — что подтверждают миски для смешивания, видимые на студийных автопортретах Рембрандта, — то теперь краски стали легко доступны в алюминиевых тюбиках, которые можно было купить в магазине. Это обеспечивало одинаковое качество и количество ингредиентов по всему континенту. Краски в тюбиках, а также легкие переносные мольберты стали доступными впервые. Промышленное производство также позволило быстро и эффективно производить материалы, такие как кисти и мольберты, с улучшенным дизайном.
Эта среда породила новый способ рисования, известный как en plein air.
В 1960-х годах в Нью-Йорке Энди Уорхол внес новшества в модель студии художника, объединив художественное производство с механизированным оборудованием, разработанным Генри Фордом, в своей студии-тусовке “Фабрика”, как ее называли. Уорхол стал королем шелкографии — способа быстрой печати изображений, которые можно было многократно воспроизводить. Главным новшеством его студии стало то, что она была известна как своими амфетаминовыми вечеринками и разнообразными личностями, так и искусством, создаваемым там. Это было появление художника как бренда — идея, которую Уорхол проницательно использовал в мета-критическом анализе популярной современной американской культуры.
Автор текста: Аня Знаенок
Comments